Sztuka + Design. Dowcip, humor i WOW

W kilka zimnych listopadowych wieczorów w Nowym Jorku tysiące koneserów sztuki na wysokich obcasach, kolekcjonerów, właścicieli galerii (i ich pracowników), projektantów wnętrz i innych, którzy lubią świetne koktajle i oszałamiające dzieła sztuki, zbierały się w Parku Avenue Armoury na rzecz OMG, OOO i AhAha w zamian za oryginalne dzieła o wielkiej urodzie (i świetnych cenach), aby zebrać pieniądze na cele charytatywne (w tym Fundację Dia Art i Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique i InCollect uczestniczyli jako sponsorzy wydarzenia.

Pięćdziesięciu sześciu właścicieli galerii z 11 krajów (w tym z USA, Europy, Wielkiej Brytanii, Niemiec, Belgii, Francji, Danii, Włoch, Monako, Holandii, RPA, Hiszpanii i Szwecji) z 30 międzynarodowych galerii - zaprezentowało podejście globalne do modernizmu. Salon prezentował (do kupienia i podziwu) meble historyczne, nowoczesne i współczesne, oryginalne projekty oraz sztukę końca XIX i XX wieku.

 Wartość gospodarki kreatywnej

W 2015 roku wartość produkcji artystycznej i kulturalnej w USA wyniosła 763.6 miliarda dolarów, co stanowi 4.2 procent produktu krajowego brutto. Sztuka wniosła większy wkład w gospodarkę narodową niż budownictwo, górnictwo, ubezpieczenia, zakwaterowanie i gastronomia.

• Twórcy artyści są atutem gospodarczym w USA, aw 2015 r. Dzięki artystom Stany Zjednoczone miały nadwyżkę handlową w zakresie sztuki i dóbr kultury w wysokości 20 miliardów dolarów (Ameryka wyeksportowała 63.6 miliarda dolarów, a importowała 42.6 miliarda dolarów sztuki i kultury).

 

• Konsumenci gospodarki kreatywnej wydają ponad 102.5 miliarda dolarów na sztukę, w tym towary i usługi, bilety wstępu, żywność, zakwaterowanie i prezenty (2017).

 

• Sektor kultury i sztuki zapewnia dużą liczbę miejsc pracy (4.9 miliona w 2015 r.), Co stanowi 3 procent wszystkich miejsc pracy w Stanach Zjednoczonych, które łącznie zapewniały pracownikom 372 miliardy dolarów.

Stany prosperują dzięki sztuce

Wśród stanów sztuka ma największy udział w gospodarce Waszyngtonu, 7.9 procent lub 35.6 miliarda dolarów. Opierając się na przemyśle filmowym i telewizyjnym, gospodarka artystyczna Kalifornii dostarcza najwięcej pieniędzy ze wszystkich stanów, z 174.6 miliardami dolarów (7 procent).

Nowy Jork zajmuje drugie miejsce w obu kategoriach, a sztuka przyniosła gospodarce 114.1 miliarda dolarów (7.8 procent). Stanowi 462,584 46.7 pracowników artystycznych zarobiło łącznie 2015 miliarda dolarów (XNUMX).

Delaware w najmniejszym stopniu polega na sztuce, która stanowi zaledwie 1.3 procent gospodarki stanu, czyli 900 milionów dolarów.

Wydarzenie: Salon Art + Design Show

Ponieważ wielu artystów prezentuje swoje najnowsze prace na tej imprezie, pojawia się ona na szczycie listy „rzeczy do zrobienia” świata sztuki. Chciałbym zdobyć prawie każdy pokazany kawałek, ale czas, przestrzeń i ograniczone zasoby uniemożliwiają tę czynność; mogę jednak polecić „kilka moich ulubionych rzeczy”.

Wybór wyselekcjonowany

1. Molly Hatch. Studio Todda Merrill & Associates. Nowy Jork

Molly Hatch przenosi WOW do sztuki współczesnej. Przekształciła to, co było banałem (popularne w latach czterdziestych XX wieku malowane na ścianie naczynia) i przekształciła koncepcję w kolekcjonerskie dzieła sztuki, które pasują do tysiącletniego stylu życia (mobilne, nieskrępowane i zmienne).

Wiszące talerze były tradycyjnym sposobem eksponowania dekoracyjnej zastawy stołowej i były częścią wielu kultur od Europy po Azję. Wieki temu wyszukane ekspozycje talerzy w domu były oznaką bogactwa i wysokiego statusu społecznego.

Dziś Hatch projektuje swoje talerze do zawieszenia na ścianach, aby można je było obserwować i podziwiać. Jej przewymiarowane i pełne kolorów podniebienie zachęca widzów do ponownego przemyślenia tego, co jest nowe, a co jest teraz; to, co było zwyczajne, teraz jest niezwykłe.

Hatch urodziła się w 1978 roku. Jej matka była malarką, a ojciec - ekologicznym hodowcą bydła mlecznego. Studiowała rysunek i ceramikę, uzyskując tytuł licencjata w Museum School w Bostonie, MA. Po ukończeniu college'u pracowała z garncarzem Mirandą Thomas w Vermont, a rezydencje ceramiczne kontynuowała w Stanach Zjednoczonych i Indiach Zachodnich. Jej magisterium z ceramiki pochodzi z University of Colorado w Boulder. W 2009 roku otrzymała rezydencję artystyczną / przemysłową na wydziale ceramiki w John Michael Kohler Arts Centre w Wisconsin.

Hatch obecnie pracuje w swoim domowym studio w Northampton w stanie Massachusetts. Oprócz ceramiki jest pisarką, artystką-projektantką i tworzy wzory tkanin, meble, biżuterię, grafiki, rysunki piórem i tuszem oraz obrazy. Inspiruje się historycznymi trendami w tkaninach, czcionkach, ceramice i meblach, uznając współczesny styl życia, który obejmuje ukłony w stronę hip-hopu, tekstów piosenek niezależnych, wiadomości tekstowych i zebranych kolokwiów.

2. Hubert Le Gall. Galeria XXI wieku

 

Francuski projektant Hubert Le Gall urodził się w Lyonie w 1961 roku. Ukończył studia menedżerskie i po ukończeniu studiów przeniósł się do Paryża (1983). W 1988 roku zaczął malować i rzeźbić, projektując meble będące kluczami granicznymi, łącząc poetykę i fantazję z funkcjonalnością.

Inspiruje go to, co surrealistyczne, ale szeptem (i okrzykami) do cywilizacji greckiej i rzymskiej, XVIII wieku francuskiego, imperium, secesji i art déco. Inspirowali się także Salvadorem Dali, Jeanem Cocteau, surrealistami i Maxem Ernstem.

Jego prace zyskały międzynarodowy aplauz w 1995 roku, kiedy to została odkryta i wypromowana przez właścicielkę galerii Elisabeth Delacarte. Jego pierwsza wystawa odbyła się w paryskiej Galerie Avant-Scene, a eksponowane prace (w tym stokrotki i komody na kwiaty) stały się cenione jako jego sygnaturowe dzieła.

3. Rich Mnisi. Afryka Południowa

 

Urodzony w RPA Rich Mnisi rozpoczął swoją działalność w 2014 roku. Jest uznawany za lidera w nauce o modzie i uznawany za młodego projektanta roku Africa Fashion International (2014).

Uwodzicielski skórzany szezlong Mnisi przybiera kształt Nwa-Mulamuli (The Guardian), przedstawiającego obecność jego prababki. To jej istnienie i jej nauki trwają wiecznie poprzez opowiadanie historii, pokolenie po pokoleniu. Taboret w kształcie oka ze złotymi kałużami ”… przedstawia jej łzy, które nigdy nie poszły na marne. Bez jej bólu i doświadczeń nie istniałbym. Nie mogłem być osobą, którą jestem dzisiaj ”(Rich Mnisi).

Zmysłowe formy są ponadczasowe, a ich esencja jest wyjątkowo afrykańska, a jednocześnie fascynująca.

4. Reinaldo Sanguino. Galeria Future Perfect. Nowy Jork.

 

Reinaldo Sanguino urodził się w Wenezueli, a obecnie pracuje w Nowym Jorku. Jego dzieła sztuki i ceramiki oddają hołd żywiołowości jego otoczenia, a każdy wyjątkowy kawałek wykorzystuje glinę jako strukturę i płótno.

Sanguino jest absolwentem Szkoły Sztuk Wizualnych Cristobal Rojas w Caracas w Wenezueli. Swoją technikę rozwinął w oparciu o zainteresowanie porcelaną miśnieńską i jej znaczenie w historii Europy. Inspiruje się i inspiruje malarstwem w stylu graffiti, a jego prace przyciągają uwagę żywymi kolorami, fakturami i plastycznymi materiałami.

W 2007 roku był nominowany do nagrody Louis Comfort Tiffany Biennial Award i jednym z artystów biorących udział w V edycji Biennale 5-2007 El Museo Del Barrio „the (S) Files” w Nowym Jorku.

Prace Sanguino można było oglądać w Sultan Gallery w ramach Dean Project New York; Muzeum Sztuki i Projektowania w Nowym Jorku; Muzeum Sztuk Pięknych w Houston w Teksasie; Muzeum MINT w Charlotte w Karolinie Północnej i Minneapolis Institute of Arts w Minneapolis, Minnesota. Zadebiutował w Design Miami z The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso i Alison Siegel. Galeria Hellera. Nowy Jork

Pamela Sabroso otrzymała tytuł BFA w dziedzinie rzemiosła i studiów materiałowych na Virginia Commonwealth University (2007), a Alison Siegel uzyskała tytuł licencjata w dziedzinie sztuk pięknych na Alfred University (2009). Obecnie mieszkają i pracują na Brooklynie w Nowym Jorku.

Zaczęli współpracować w 2014 roku, stwierdzając, że ich pomysły pojawiają się i łączą poprzez rysunki, dyskusje i fizyczność bliskiej współpracy. Wspólnie są żądni przygód i wnoszą nową, świeżą i niepowtarzalną jakość do każdego tworzonego przez siebie przedmiotu. Końcowe prace są zabawne, sprytne, animowane, niekonwencjonalne i ujmujące. Zdecydowanie pracując w XXI wieku, dzielą swobodę twórczą, która ma swoje korzenie we wczesnym amerykańskim ruchu Studio Glass.

Pracochłonne prace rozpoczynają się od wykonania części i form woskowych do dmuchania szkła, a kończą się na dmuchaniu szkła. Sabroso, omawiając swoją pracę z Siegelem: „… aby być kreatywnym, musisz pozwolić sobie na bezbronność. Kiedy szczerze mówisz, kim jesteś, odsłaniasz wyjątkową i dziwną perspektywę. Nasze połączone kreacje są razem Stranger Together ”.

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Fine Arts. Nowy Jork

Wright urodził się w Richland Center w stanie Wisconsin (1867). Podczas swojej 70-letniej kariery architekta Wright stworzył ponad 1100 projektów. Chociaż wstąpił na University of Wisconsin (1885) i studiował inżynierię lądową, wkrótce stał się niezadowolony z tej dziedziny. Kiedy pracował dla Josepha Silsbee przy budowie Unity Chapel, zrealizował swoją pasję do architektury, więc przeniósł się do Chicago i odbył praktykę w firmie architektonicznej Adler and Sullivan, pracując bezpośrednio z Louisem Sullivanem (1893).

Następnie przeniósł się do Oak Park w stanie Illinois i rozpoczął pracę w swoim domowym studiu, gdzie opracował system projektowania oparty na elementach kratowych z naciskiem na naturalne materiały, który stał się znany jako Prairie School of Architecture.

W latach 1920. - 1930. spędzał czas na nauczaniu i pisaniu. W 1935 roku rozpoczął pracę nad Fallingwater, swoim najbardziej znanym projektem mieszkaniowym. W latach czterdziestych - pięćdziesiątych XX wieku skupił się na projektach z Usonu, które odzwierciedlały jego wiarę w demokratyczną architekturę, oferując opcje mieszkaniowe klasy średniej.

W 1943 roku zaprojektował Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku. Muzeum zostało otwarte w 1959 roku, sześć miesięcy po jego śmierci i jest uznawane za jego najważniejsze dzieło.

Galeria Sztuk Pięknych Bernarda Goldberga w Nowym Jorku została założona w 1998 roku przez nowojorskiego adwokata. Dziś galeria specjalizuje się w sztuce amerykańskiej (1900-1950), w tym w malarstwie, rzeźbie, rzeźbie i pracach na papierze, m.in.

Hoi Polloi na wydarzeniu

 

Szukaj Salonu w listopadzie 2019 r. Dokonaj rezerwacji wcześnie… to wspaniałe wydarzenie dla każdego, kto fascynuje świat sztuki i designu.

© Dr. Elinor Garely. Ten artykuł dotyczący praw autorskich, w tym zdjęcia, nie może być powielany bez pisemnej zgody autora.